Homenaje
Paul y Jeanne Mount
"A la memoria de mis padres"
Por Martin Mount
PAUL MORROW MOUNT
Pintor y escultor inglés
1922 – 2009
Su obituario registra que Paul era el único hijo de los metodistas, Ernest Edward y Elsie Mount. Se crió en Newton Abbot en Devonshire, una ciudad completamente desprovista de interés arquitectónico y la calle número cincuenta y siete de St Leonards, donde vivió por primera vez, no fue una excepción. Entre los visitantes de la casa se encontraba el Sr. Marston, el maestro de arte de la escuela donde enseñaba su padre. Le dio a Paul sus primeras lecciones de arte y le presentó la idea de la perspectiva. Tenía alrededor de siete años en ese momento y nunca tuvo problemas con la perspectiva desde entonces.
Sus padres estaban ansiosos por criar a Paul y su hermana Jean con una apreciación de las artes. Fue destetado con Tennyson y aún podía citar pasajes completos en su vida posterior. Su madre era una cantante consumada y muy solicitada localmente como solista en conciertos y oratorios. Como muchos, Paul fue enviado a clases de piano a una edad temprana, pero no llegó muy lejos. Sin embargo, cuando a la edad de 13 años, la familia se mudó a Abbotsbury frente a la iglesia Congregacional, tuvo la suerte de recibir lecciones de órgano del organista de la iglesia Gorden Brewer, un excelente músico e introdujo a Paul en las obras para órgano de Bach, y algunos de sus mejores composiciones. Paul recuerda que practicaba regularmente, disfrutaba del control de grandes volúmenes de sonido y aprendió, además de Bach, obras de Cesar Franck, Guillemant, Karg Elert y Rheinberger.
Mientras que su padre era bastante liberal en sus actitudes (y política), y en muchos sentidos convencional, su madre estaba más inclinada a animar a Paul a cuestionar las cosas, en particular los asuntos sociales y raciales. Al ser educado por maestros, se esperaba que a Paul le fuera bien en la escuela y no tenía muchas dificultades para complacer, pero el mundo académico, y en particular sus actividades deportivas, no le atraían. Odiaba estar atrapado todo el día detrás de un escritorio y no le gustaban los deportes. Tenía pocos amigos y pasaba horas en el campo explorando por su cuenta. Fue en estos primeros años de formación que Paul parecía haber decidido que quería ser pintor, porque siempre fue el mejor dibujante en la clase.
Paul Mount
ESCUELA DE ARTE DE PAIGNTON Y ACEPTACIÓN A LA RCA
El momento en que Paul dejó la escuela lo describió como “uno de los días más felices de su vida”. Ahora podía dedicar su tiempo a lo que siempre había querido hacer y, siguiendo el consejo del Sr. Marston, fue a la Escuela de Arte de Paignton, una pequeña escuela dirigida solo por A. K. Sutcliffe. Él mismo era un buen escultor, y fue de él que aprendió técnicas básicas de modelado y fundición, aunque en ese momento, Paul no tenía intenciones de trabajar en tres dimensiones. Al mismo tiempo, se le enseñaron todas las materias requeridas por el examen de dibujo de la Junta de Educación, un entrenamiento sólido aunque convencional. El curso consistió en dibujar del natural, aprender anatomía y construir dibujos en perspectiva. Continuó registrando “pasamos mucho tiempo dibujando estatuas clásicas, asumiendo que esto era simplemente para ahorrar el costo de un modelo vivo, y solo nos dimos cuenta mucho más tarde de que esto, con el dibujo meticuloso y la memorización de las órdenes clásicas, era diseñado para inculcar una sensación de proporciones clásicas”.
En 1939, Paul accedió el examen de ingreso de una semana de duración del Royal College en Londres , donde fue aceptado para estudiar pintura, y al año siguiente viajó a Ambleside en el Lake District, donde la universidad había sido evacuada al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Aquí conoció diferentes actitudes hacia la guerra, y tendía a asociarse con simpatizantes pacifistas y socialistas de los cuales había un buen número. Paul disfrutó mucho ese año en Ambleside, entrando en contacto con una amplia gama de sus compañeros, descubriendo el jazz, nadando en las aguas de Rydal y vagando por los páramos. Pero era una época extraña, irreal, y en medio de una guerra mundial, parecía inútil estudiar pintura.
Fue en el bosque de Dainton, en el verano entre el final del primer año de Paul en el Royal College y la espera de ser "llamado", que pintó su primer paisaje al óleo. Escribió que "fue uno de esos períodos de barbecho que ocurren ocasionalmente, mi mente llena de nociones románticas de idilios rurales inducidos por las novelas de Wessex y la música de Delius, cuando pinté mis primeros paisajes al óleo". Uno de ellos, seis años después y a una guerra de distancia, recibió el premio de paisaje Gilbert Spencer en mi segundo año en el Royal College”.
Paul escribió sobre vivir en Devon hasta la guerra, “mi conocimiento de las pinturas provino casi en su totalidad de las reproducciones. No vi ninguna pintura real, con la excepción de una exposición de arte surrealista en Dartington Hall, que me pareció una broma y de la que solo recuerdo una pintura: un ojo en un plato de jamón. La única escultura moderna que vi, en un viaje al norte, fue el Adán de Epstein, como un espectáculo secundario pornográfico en Blackpool de todos los lugares. Me impresionó mucho”. Pero cuando Paul llegó a Londres, las galerías estaban cerradas.
Los hechos posteriores llevaron a Paul a abandonar la pintura durante seis años enteros porque en 1941 fue llamado a filas, y aunque en principio se negó a tomar las armas, dijo que “sentía que debía involucrarme de alguna manera, inscribirme como objetor de conciencia” , y tuve la suerte de ser aceptado por la Unidad de Ambulancias del Amigo”. Después de una formación básica, recibió formación en enfermería y tareas hospitalarias antes de ser enviado a recibir instrucción en conducción de camiones, mecánica de motores y mantenimiento. ”
A principios de 1943, Paul se embarcó desde Gourock en el barco Liberty Dorothy L. Dix con muchos otros en un convoy del Atlántico en una ruta tortuosa hacia el norte de África y con destino a Argel. La primera recalada fue en la costa de Marruecos, aunque primero desembarcaron en Argel antes de ser trasladados a Rabat en Marruecos para incorporarse a la 2ª División Blindada Francesa. Una interesante introducción al resto del mundo”.
Más tarde ese año fue enviado de regreso a Inglaterra durante la preparación para el desembarco de Normandía, y el 6 de junio de 1944 desembarcó con la segunda división blindada francesa en la playa de Ste Mére Eglise, la playa designada como Utah. A partir de ahí, estuvo adjunto al ejército estadounidense bajo Patton y Bradley, y vio acción en Le Mans y en Alencon, y luego en Falaise gap, que fue el enfrentamiento decisivo de la Batalla de Normandía cuando los alemanes estaban rodeados por los aliados occidentales. Luego fue trasladado a la liberación de París, Baccarat en los Vosgos, Estrasburgo en las Ardenas, y finalmente se trasladó a Loiré sur Nie en Charente Marítimo antes de la división que participó en la liberación de Royan que marcó el final de la Guerra europea en septiembre de 1945.
Después del colapso de Alemania, Paul pasó un año trabajando para American Aid to France, y fue asignado para conducir un camión de leche en el Paso de Calais antes de ser enviado a administrar su garaje en París, donde se unió a él y se casó con la diseñadora Jeanne. Martin, a quien había conocido por primera vez en la RCA en Ambleside. Y fue entonces cuando Paul vio por primera vez pinturas reales, en el Louvre y otras galerías de París. Los artistas que más le gustaban de la pintura de paisaje eran Corot, Cotman, Monet y Cezanne, así como los retratos de Greuze. Para volver a la práctica antes de volver a la RCA, acudía por las tardes a la Académie de Grand Chaumiere para dibujar del natural. También pintó dos pequeños óleos del Marne y el Sena.
VOLVER A LA RCA
De vuelta en Inglaterra, después de ser dado de baja en 1946, Paul y Jeanne se instalaron en una habitación en Paddington, y él regresó a la universidad ahora en Londres. Después de 6 años fuera de sus estudios, le tomó un tiempo ponerse al día, y los paisajes que Paul quería pintar eran solo escenas rurales.
Paul recordó “que tuve la suerte de tener a Percy Horton como maestro de dibujo, y fue uno de los tutores, Charles Mahoney, quien primero me mostró reproducciones de los impresionistas en las que era fácil ver que estas pinturas encarnaban la vida real, mucho más que cualquier pintura con la que me haya topado previamente”. Pero Paul se sintió decepcionado al descubrir que el curso de Pintura en la RCA se centró en la composición de figuras, mientras que Paul estaba principalmente interesado en la pintura de paisajes en ese momento. No apreció la pintura de bodegones hasta mucho más tarde, cuando finalmente pudo ver las pinturas de Cézanne y Braque.
Mientras Paul estuvo en Londres, tuvo “la suerte de ver actuaciones de Walter, Snabel, Flagstad, Melchior. Rubinstein, Horovitz y Casals en concierto, y escuchar a Merechal tocar la Passacaglia de Bach en la catedral de Westminster”. Continúa escribiendo "que para mí, la escena musical en ese momento, era de hecho más emocionante que el mundo de las artes visuales". Escuchar “La Canción de la Tierra” en Golder´s Green fue una revelación, y en la radio Fischer-Diskau cantando “Winterreise”, Schumann, los ciclos de canciones de Mahler, Duparc y Monteverdi. Londres estaba empezando a despertar después de la guerra.
En Londres, Paul pudo conocer las colecciones nacionales. En este momento se sintió atraído principalmente por los viejos maestros, volviendo con frecuencia para ver un retrato de Memling o Tiziano en la Galería Nacional, y los bocetos de Constable en el V&A. Aprobando su Diploma en Pintura (ARCA) en 1948. Paul recuerda que “no fue hasta después de la guerra, en el segundo año en la RCA que llegué a ver pinturas reales. La primera exposición importante a la que asistí fue Chagall en la Tate, y no sabía qué hacer con ella, ni tampoco la mayoría de mis compañeros de estudios. Estábamos todavía en el siglo pasado”.
“Fue en el verano de 1948, mi último año en el Royal College y mi primer contacto con Italia. Jeanne y yo estábamos con un grupo de compañeros de estudios. Después de una noche en un tren, cambiamos en Pisa e hicimos el corto viaje a Florencia en un camión de ganado. Creo que la hermosa estación moderna que contrastaba tan extrañamente con el modo de transporte me impresionó más que los palacios florentinos”.
“Cuando era estudiante me interesé en el movimiento moderno de la arquitectura y la estación de Florencia fue uno de los primeros ejemplos con los que me encontré. Estaba cubierto con miles de tejas gris claro de dos centímetros. Doce años más tarde, como consultor de diseño del grupo Borys, estaría especificando un revestimiento similar para edificios de gran altura en Nigeria”.
“Tengo que admitir que mi recuerdo de Florencia en los últimos años era bastante vago. Había mucho que asimilar. Recuerdo un Botticelli en los Uffizi, un Phillippo Lippi, un mural o dos de Uccello y Massaccio, el claustro con los Fra Angelicos y una escultura de Donatello. Recuerdo comer sandía frente a la encantadora iglesia medieval de Santa Croce y salir a San Miniato al Monte”.
WINCHESTER Y EL PRIMER PUESTO DOCENTE
Después de graduarse, Paul tuvo la suerte de conseguir un trabajo como profesor de dibujo y pintura en la Escuela de Arte de Winchester, aunque en sus seis años de estudio nunca se había formado en pintura. El director, Peter Dawson, era un personaje animado, interesado en ideas progresistas y hubo debates de gran alcance entre el personal sobre el arte contemporáneo. Fue solo cuando comenzó a enseñar a otros que Paul comenzó a aprender sobre pintura y cómo pintar, y se dio cuenta de lo que había estado sucediendo en la escena artística a principios de siglo. Había una gran exposición de Picasso en la Tate que fue de gran ayuda.
En 1948, Paul y Jeanne compraron una cabaña en Cheriton, a unas pocas millas al este de Winchester, donde nació Martin al año siguiente. Era un pueblo viejo y somnoliento, la vida era rural y frugal, y el racionamiento durante la guerra todavía estaba vigente. Paul hizo varias pinturas de la cabaña y el huerto que la acompaña.
De esta época se conservan algunos bocetos y un busto realizado de su hijo Martín. Cuando Paul, Jeanne y Martin se fueron de vacaciones a Bretaña en el verano de 1952, Paul hizo varios bocetos y pinturas de los barcos en Camaret y Brest.
Posteriormente, en 1953, Paul registra que se fue de vacaciones al norte de España haciendo autostop y pintando con Stuart Daborn, un colega de Winchester, con el objetivo de experimentar nuevas formas de abordar el paisaje. Estuvieron dos semanas en Motrico, un pequeño pueblo de pescadores de la costa vasca, alquilando una habitación con una familia local y comiendo frugalmente en el sencillo restaurante mientras se pasaban todo el tiempo pintando y dibujando el puerto y sus alrededores de forma muy concentrada, algo que Paul nunca había hecho antes. Le dio una actitud más libre hacia la pintura de paisajes.
UN NUEVO PUESTO DOCENTE EN EL ÁFRICA COLONIAL
Después de enseñar en Winchester durante 7 años, Paul decidió que ya había tenido suficiente de la vida inglesa provincial y sus bajos salarios; por lo que consiguió un puesto para iniciar un Departamento de Arte cerca de Lagos, Nigeria. Entonces, el 10 de febrero de 1955, Paul, Jeanne y Martin se embarcaron desde Liverpool en el buque de carga SS Apapa, un viaje de dos semanas a través de las Islas Canarias y Takoradi en Ghana, con destino a Lagos y un nuevo comienzo en la vida. Jeanne ya estaba esperando y dio a luz a la hermana de Martin, Margaret, unos meses después de su llegada.
En su tiempo libre, Paul comenzó a tallar esculturas en madera y trabajó de manera intermitente en varios retratos, aunque descubrió que el paisaje no era particularmente propicio para pintar. Demasiados árboles y ningún lugar desde donde ver la escena de la jungla. También realizó algunos bustos de arcilla para demostrar la técnica a sus alumnos.
El proyecto se ubicó dentro del Instituto Técnico de Yaba en el continente a las afueras de Lagos. El puesto significó una mejora en el nivel de vida, la triplicación del salario, casa y auto provistos, y una semana de cada cuatro de licencia al año con pasaje pagado. Y se daría cuenta de que había, fuera de los círculos coloniales, una comunidad comercial cosmopolita de expatriados, así como residentes locales entre los que se podían hacer buenos contactos y amistades.
Paul descubrió que casi nadie más en Nigeria era capaz de diseñar o llevar a cabo proyectos artísticos asociados con la arquitectura, por lo que el campo estaba abierto para él. Tuvo la suerte de tener acceso al asesoramiento experto de contratistas italianos sobre buenas prácticas de hormigón, aprendiendo sobre varios tipos de agregados, clasificación de espacios, vibración, uso de retardadores y otros aditivos. Un hombre local capaz, Lawal construyó estructuras de acero en locales estrechos en una calle secundaria, ampliando sus maquetas de cartón, y siempre pudo recurrir a la ayuda de sus alumnos.
Jeanne también recibió encargos a través de sus contactos arquitectónicos, para diseños de mosaicos, algunos a gran escala, lados enteros de edificios de veinte pisos, para ser colocados por especialistas italianos. Ella misma construyó paneles para la Universidad de Ibadan y la casa Cocoa, trabajando a la inversa colocando las teselas en un lecho de arcilla y después de respaldarlas con hormigón o, más tarde, con resina reforzada con fibra de vidrio, y lavando la arcilla.
Entre los primeros contratos que ganó, dos fueron para muros escultóricos, uno para la Embajada de Suiza y el otro para el Castillo de Christianborg en Accra. Otra característica escultórica se fundió en una estructura de edificio en el edificio NIPC en Lagos.
Otras comisiones en 1961 incluyeron puertas de hierro fundido para la Casa de Gobierno, puertas decorativas de acero soldado para el Banchi Memorial y pantallas de acero soldado para otro proyecto en Accra.
Paul completó siete años en Nigeria antes de que terminara el colonialismo. Aunque Paul hacía bocetos con frecuencia dondequiera que iba, pintó muy poco en sus últimos días en Lagos, porque estaba demasiado ocupado con su trabajo docente y arquitectónico. Hubo una pintura realizada en 1960 que mostraba un movimiento hacia lo abstracto en el trabajo pictórico, aunque iban a pasar más de veinte años antes de que Paul desarrollara más el tema.
UN NUEVO COMIENZO EN CORNUALLES, INGLATERRA
Paul salió de Nigeria hacia fines de 1962 después de que se declarara la independencia. Luego pasó un breve interludio pintando en la costa de Amalfi en Italia antes de regresar a Inglaterra, y durante los siguientes veinte o más años se concentró en la escultura mientras Jeanne trabajaba en mosaicos. En todo ese tiempo en Cornualles, Paul no volvió a aventurarse en la pintura.
Al principio, Paul solo tenía un encargo: una escultura de pared independiente en el norte de Italia, para Gianotti, uno de los contratistas para los que había trabajado en Nigeria.
La familia Mount se fue a vivir a una casa comprada previamente en St. Just en Cornualles. Aquí pudieron comprar la casa de campo contigua, que luego Paul demolió y convirtió en un estudio de dos pisos donde tendría espacio para construir esculturas más grandes. Nancherrow Studio, que lleva el nombre de la calle, se registró como empresa.
Bob Rowland, un amigo desde Lagos, puso a Paul en contacto con un arquitecto inglés, Ernest Boyer, quien le consiguió a Paul un encargo para diseñar un símbolo de Heron en fibra de vidrio para los edificios de H.E.Ronson Company. Estos tenían unos 6 metros de altura y estaban hechos de fibra de vidrio sobre un marco de refuerzo de acero. El acabado comprendía revestimientos de resina pulida impregnada de bronce y otros metales, que se instalaron en varios edificios de la Compañia Ronson en todo el Reino Unido.
Poco a poco llegaron otros encargos cuando Maxwell Fry presentó una propuesta de escultura mural para el edificio Pilkington en St Helens. Este tenía aproximadamente 3 metros de alto por 4 metros de largo.
En los años siguientes, Paul comenzó a trabajar en la fundición de metales, al principio con un método perdido de poliestireno de fundición de hierro desarrollado con la ayuda de una fundición local.
A finales de la década de 1960, Paul comenzó a producir esculturas más pequeñas que comenzaban a venderse, y Nancherrow Studio comenzaba a ser viable. Luego, en 1968, Fergus Gleave, otro asociado de Nigeria, encargó una gran escultura para un desarrollo en Bristol. Esta escultura de gran éxito condujo al encargo de otra gran escultura de acero inoxidable que se iba a montar en el lateral de uno de los edificios de la facultad de la Universidad de Exeter.
Después de estos grandes encargos, Paul volvió a trabajar en obras más pequeñas y comenzó a experimentar con móviles contrapesados en puntas finas, un principio que Paul había encontrado en juguetes de bronce en África. Estos que exhibió en la galería local de la Sociedad Penwith atrajeron la atención de los coleccionistas de arte Marcus Brumwell y Anthony Lousada, quienes compraron uno cada uno. Anthony Lousada le presentó la galería de Marlborough, y más tarde a Madeleine Ponsonby del New Art Center en Sloane Street, donde durante varios años tuvo exposiciones individuales regulares y vendió gran parte de su trabajo a coleccionistas estadounidenses. Thompsons también manejó su trabajo durante un tiempo en Londres, y Paul tuvo varias exposiciones individuales allí, que se vendieron regularmente durante un tiempo.
A principios de la década de 1970, el matrimonio de Paul con Jeanne se rompió y se divorciaron, y en 1976 se casó con la retratista June Miles. Con el dinero que le sobró del acuerdo de divorcio, compró una casa en Dordoña, Francia. La casa era barata pero necesitaba reparaciones considerables después de haber sido alcanzada por un rayo. Así que Paul y June iban allí de vez en cuando para trabajar en la propiedad, pero descubrieron que, aunque la zona era atractiva y virgen, estaba casi tan húmeda como Cornualles en invierno e incómodamente calurosa en verano. Así que se mudaron a St Pons de Mauchiens en Languedoc, un proyecto conjunto con un viejo amigo, Robin Atkinson, quien en 1976 había encargado a Paul el diseño de puertas (6 pares) para el nuevo estadio Tafawa Balewa en memoria del primero y único primer ministro.
En 1980, los arquitectos de Truro, John Crowther e Asociados, obtuvieron el contrato para convertir una antigua fábrica abandonada en la tienda COOP más grande de Cornualles con 6000 pies cuadrados de espacio de venta, y Paul recibió el encargo de mejorar la fachada con 1000 pies cuadrados de revestimiento escultórico. Los arquitectos eligieron a Paul para la tarea de producir una idea realmente imaginativa para transformar el exterior industrial en algo lo suficientemente emocionante como para atraer a los compradores. Para esto, Paul propuso el uso de un diseño basado en módulos cuadrados de 1,60 metros de diferentes diseños colocados en veintiún paneles de 4,8 por 4,8 m que se rotaron en la secuencia de construcción para agregar al diseño general y ocultar la repetición. Sus diseños se realizaron a pequeña escala en yeso de París, que luego fueron ampliados y fabricados en fibra de vidrio por el subcontratista designado por el arquitecto.
John Crowther e Asociados encargó otras fachadas y pantallas más pequeñas casi al mismo tiempo, una para Burnley Building Society en Plymouth y otras para la estación de policía de Bodmin y la central telefónica en Cardiff.
A lo largo de la década de 1980, Paul volvió a concentrarse más en pequeñas obras de acero inoxidable y bronce fundido que se vendían directamente desde una pequeña galería que abrió al público en Nancherrow Studio. También vendía en las galerías de Penwith y Londres, donde exponía regularmente.
Paul explicando sus procesos de pensamiento como una "obsesión perpetua". Luego continuó diciendo que “en cualquier momento tengo en mente media docena de proyectos escultóricos. Por la noche aprovecho los períodos de vigilia para abordar algunos de los problemas, a menudo técnicos, y a menudo me despierto encontrándolos resueltos. Pero nunca me preocupo como algunos por la falta de sueño: disfruto de la vida y la prefiero consciente”.
Fue también durante esta última década de trabajo que Paul y June se trasladaron de nuevo al sur de Francia, a los Pirineos Orientales, y donde pasaban tres meses al año en el pequeño pueblo de Peyriac de Mer, cerca de Narbona. Aquí Paul comenzó a pintar de nuevo y se pueden ver claramente las formas escultóricas que comenzaron a influir en sus composiciones, así como los temas musicales que a veces se introducen en las pinturas.
PINTURA ABSTRACTA y LA INFLUENCIA ESCULTORICA
Al hablar de sus pinturas, Paul explicaba que “nunca fui el tipo de artista que dibujaba o pintaba compulsivamente todo el tiempo. Siempre era de vez en cuando, pero cuando lo hacía me absorbía por completo cuando lo estaba haciendo. Pero, reflexionando, nunca disfruté mirando la pintura de la misma manera que disfruté con la música o la poesía; miré la pintura más bien para aprender de ellos, y solo hay unos pocos retratos de Memlink o Tiziano, y un Fragonard, que vuelvo. a una y otra vez, y maravillarme de su genialidad y saber que nunca podré acercarme a esas alturas”.
CODA
Mirando hacia atrás en la vida de mi padre, lo recuerdo trabajando seis días a la semana y, a menudo, estaba ocupado durante varias horas los domingos por la mañana. Siempre había algo que hacer. Y, por las noches, a menudo se le podía ver aplicando los últimos pero muy laboriosos procesos de pulido a sus esculturas más pequeñas mientras miraba la televisión o escuchaba obras de teatro por radio y música. Y a menudo tocaba el piano al menos una vez al día, ya que esto parecía proporcionarle su mejor relajación. Su trabajo artístico y sus intereses musicales llenaron su vida.
Paul resumió su experiencia de vida de la siguiente manera. “Desde que dejé la escuela, con la excepción de los años de la guerra, he pasado mi vida preocupado por el arte. Desde el principio nunca quise hacer otra cosa, y he tenido la suerte de vivir de ello”.
Pero, ahora en mis últimos años, me pregunto si alguna vez obtuve el tipo de placer de mirar pinturas o esculturas que obtengo con la música. Nunca quiero pasar mucho tiempo frente a pinturas o esculturas. Sólo el tiempo suficiente para aprender algo de ellos.
Pero, en la escultura, el proceso parece llevar más tiempo en estos días. Quizás sea porque no tengo claro lo que quiero, o que soy más exigente, o simplemente, porque me estoy cansando. Como resultado, ya no estoy trabajando directamente en la escultura terminada, sino que la hace a partir de mis maquetas y plantillas de tamaño completo y parcial. Pero eso tiene un efecto secundario desafortunado, ya que echo de menos el desafío y el placer que solía obtener del negocio real de la construcción. También echo de menos los ingresos que obtendría si siguiera realizando el trabajo físico que conlleva.
La pintura es diferente a otras formas de arte en que se ve todo a la vez. Con la música o la literatura, o sus derivados, uno no experimenta toda la obra hasta el final. En cierta medida, este es también el caso de la escultura, además de los relieves, en la que es necesario caminar alrededor de la pieza para apreciarla en su totalidad. Como en la poesía, es posible que sea necesario volver a leer la obra para comprender las complejidades de su construcción y, a menudo, para encontrar el significado.
Mi padre falleció repentinamente el 11 de febrero de 2009 y sus cenizas fueron esparcidas en el mar al pie del valle de Nanjulian, St. Just, no lejos de Finistierra, Inglaterra. Pero su legado no solo se encuentra allí entre las rocas escultóricas de granito y la playa de ese valle, su legado se conserva y vive en cada escultura individual que hizo. Su obra escultórica siempre estuvo rematada por expertos, y aparte de las fachadas de los edificios de uso arquitectónico temporal, era en su mayoría indestructible, pues, según recuerdo, siempre decía: “si vale la pena hacer un trabajo, vale la pena hacerlo bien”.
Mi padre conservó algunos bocetos y fotografías originales de la mayor parte de su obra, algunos de los cuales se reproducen en esta biografía. También compiló un registro de la mayoría de sus esculturas en el que consta que realizó más de 250 obras de tamaño pequeño a mediano, de las cuales alrededor de 70 fueron pequeños bronces y 90 (incluidos sus móviles) fueron realizados en acero inoxidable pulido. Su producción máxima no fue mucho más de 10 esculturas en un año, y sus años más prolíficos fueron entre 1977 y 1981. A partir de entonces, la producción se redujo a unas 5 esculturas por año cuando retomó la pintura, aunque estas esculturas eran a menudo mucho más complejas y llevó mucho tiempo construirlo incluso con la ayuda posterior de Michael Werbicki.
Paul publicó una selección de su escultura 1958 – 2003 que fue presentada por el escritor Ron Gaskell quien al resumir dijo que “cada obra fue un nuevo descubrimiento”. En cuanto a las pinturas, no hay registro más que una publicación de alrededor de 70 pinturas nombradas entre los años 1940 – 2003, aunque hay fotografías de al menos 70 más. La introducción, también de Ron Gaskell, comienza diciendo: “Las imágenes de las primeras páginas de este libro son el trabajo de un hombre joven, talentoso pero que aún encuentra su camino. El fino dibujo y los matices de tono anticipan la seguridad del tacto en las pinturas abstractas muy posteriores. Pero entre estos y aquellos vinieron muchos años de exploración y logros en el campo de la escultura”.
Tal vez en reconocimiento a los logros de su vida, la City of London Corporation compró dos de las mejores esculturas de Paul, Amicale (2007) y Globe with Slots (2008), de su patrimonio, y desde entonces las ha exhibido en Queen's Jubilee Gardens, frente a la Catedral de St. Paul´s en Londres.
Otras obras en colecciones públicas incluyen:
• Analog and Six Characters (1964) en el Royal Cornwall Museum de Truro,
• The Nest, (1964) en la Colección de Arte del Gobierno Inglés,
• Éxtasis, (1972) en la colección del Harlow Art Trust, y
• Una obra sin nombre en el Museo Real y Galeria de Arte del Albert Memorial Museum.
Las esculturas de Paul se pueden encontrar en colecciones privadas en Australia, Canadá, Francia, Alemania, Holanda, Italia, Luxemburgo, España, Suecia, Suiza, Turquía, Reino Unido y Estados Unidos.
JEANNE MOUNT
Jeanne Mount (né Martin) nació en Streatham, Londres en 1920. Mostró un talento temprano para el dibujo y la caligrafía que permaneció con ella toda su vida. Asistió al Royal College of Art (RCA), en un momento en que generalmente no se alentaba a las mujeres a estudiar arte. Su tío trabajaba como escultor en una fundición que mantenía las esculturas públicas de Londres. Durante el Blitz de 1940, la explosión de una bomba voló las ventanas de la RCA y el director decidió evacuar la universidad al Distrito de los Lagos. Estudiantes, técnicos, profesores, curadores y una colección de pinturas abordaron un tren para trasladarse a Ambleside durante la Segunda Guerra Mundial. Fue en Ambleside, en la RCA, donde Jeanne conoció a mi padre, quien había comenzado a estudiar pintura y escultura antes de incorporarse como conductor de ambulancia.
Este variopinto grupo de personas descendió sobre el tranquilo pueblo, Paintings et al. Emma Mayoh escribió, "la ropa de colores brillantes de los estudiantes y profesores bohemios" se miraba con cautela. Los estudiantes se instalaron, rompieron barreras, formaron grupos de teatro y se unieron a la Guardia Nacional. Mujeres estudiantes fueron acomodadas en el Salutación. Los hombres vivían en el Queen's Hotel, y todos los edificios vacíos disponibles o los cobertizos de los agricultores se adaptaron para montar estudios improvisados para la enseñanza de la escultura, la pintura y la artesanía. El ambiente aislado fue demasiado para algunos estudiantes, pero el tiempo de Jeanne en Ambleside se adaptó a su amor por la naturaleza. Ella contó una historia de escuchar el flujo rítmico repetido de la música de piano de Chopin flotando a través del lago Windermere. El énfasis en la pedagogía se centró en equipar a los estudiantes con habilidades de corte de madera, letras y manualidades como bordado y encuadernación de libros.
Fue en Ambleside, en la RCA, donde Jeanne conoció a mi padre, que había comenzado a estudiar pintura y escultura antes de incorporarse como conductor de ambulancia. Al finalizar sus estudios durante la guerra, mi madre se puso a trabajar por primera vez en apoyo del esfuerzo bélico y no reinició su trabajo artístico, primero enseñando diseño, hasta 1946. Ese mismo año se reencontró con mi padre y se casaron en París, tras lo cual mi padre fue desmovilizado y se fueron a vivir a Paddington, Londres, mientras mi padre completaba sus estudios en la RCA. Después de la graduación de Paul en 1948, ambos viajaron por Europa visitando galerías de arte y sitios arquitectónicos en Francia e Italia antes de regresar a Inglaterra. Paul tomó un puesto de profesor en el Winchester College of Art y se instalaron en una vieja casa de campo con techo de paja en Cheriton, Hampshire. En 1949, Jeanne dio a luz a gemelos, pero solo Martin sobrevivió. En 1954, se mudaron a África y nació su hija Margaret. Como parte de una iniciativa del British Council, Paul estableció un departamento de arte en el Yaba Technical College en Lagos, Nigeria. Esta fue una experiencia fructífera para ambos. Jeanne enseñó bordado y tejido, aprendió habilidades de mosaico, creando muchos mosaicos públicos en universidades y embajadas en el área de Lagos.
La familia regresó a Inglaterra en 1953 después de que Nigeria se independizó y se mudó a Cornualles, donde previamente habían comprado un pied-a-tierre en St Just-in-Penwith por cien libras. La parte adelante había sido un taller de máquinas de un ingeniero y había restos de una panadería detrás, que estaba en mal estado. Más tarde se compró una casa y una tienda contiguas para crear un estudio de doble altura equipado con equipos de elevación, y el ancho entre los edificios podría acomodar un camión para cargar y descargar. Paul consiguió trabajo con arquitectos creando esculturas para espacios cívicos y necesitaba un estudio funcional y bien iluminado. Jeanne se dedicó a la enseñanza a tiempo parcial para ayudar con los gastos del hogar y realizó su trabajo de diseño en la casa. Más tarde ocupó un espacio en el entresuelo del estudio principal.
Primeros dibujos de flores (sin fecha).
Los familiares de Jeanne la describieron como un personaje introvertido, privado, de voz suave y, a menudo, perdida en sus pensamientos. Trabajaba en silencio, era una ávida lectora y solo tenía unos pocos amigos queridos. Era meticulosamente ordenada y muy organizada en su trabajo. Su hijo Martin recuerda que en los primeros días, Jeanne tenía que limpiar la mesa de la cocina tres veces al día para las comidas. Ella gustar nadaría, saldría a caminar y asistiría a conferencias nocturnas con su amiga y asistente de estudio Hilary Tregear. Hilary describe a Jeanne como una persona culta, muy culta y de carácter estoico. No le gustaba que la fotografiaran y pasaba mucho tiempo cuidando la casa y cuidando a su esposo e hijos.
La Comisión del Circo de la Torre de Blackpool 1969
Jeanne, su hijo y su hija, y su asistente de estudio Hilary, trabajaron juntos en los mosaicos del circo de Blackpool. Jeanne usó baldosas smalti venecianas y necesitaba calcular y pedir la cantidad correcta de baldosas precortadas de Tiranti, una empresa italiana con sede en Murano, Venecia. Cada envío tenía que ser recogido del fabricante, lo que implicaba largos viajes por carretera a través de Francia con paradas para visitar iglesias románicas y otros lugares de interés. Se necesitaron dos viajes de aproximadamente seis días para transportar todas las tejas de regreso a Gran Bretaña. El mero peso del primer envío traído por Paul hizo reventar dos neumáticos de un automóvil cuando conducía a gran velocidad por la autopista. En otra ocasión, se le pidió al hijo de Jeanne, Martin, que condujera el segundo envío por tierra desde Venecia en un Renault 5. El maletero, pesado con láminas de vidrio, fue incautado durante un día en el puerto de Dover mientras los funcionarios investigaban qué se estaba importando.
Método de construcción
Los mosaicos de Blackpool se crearon esculpiendo moldes profundos de lecho de arcilla en relieve para crear formas de bajorrelieve convexas y cóncavas. Jeanne trabajó en las piezas de 5 pies utilizando un método indirecto. Las baldosas más grandes se cortaron con martillo y hardie, herramientas pesadas que tuvieron un gran impacto en las manos de Jeanne y que le impidieron trabajar más adelante. Se necesitaba el estudio de Paul para la creación de paneles de mosaico tan grandes. Paul tenía la experiencia adicional de moldear resina y usar soportes de acero para sus encargos de esculturas públicas. En ese momento, su trabajo se centró en hacer formas modulares modernistas de fibra de vidrio para esculturas de paneles múltiples en fachadas de edificios.
Con un proyecto tan grande, hubo problemas logísticos que superar: las construcciones de arcilla debían mantenerse continuamente húmedas hasta que todas las piezas de teselas estuvieran en su lugar y colocadas en la arcilla (al revés y al revés). Se hicieron caricaturas en papel de calco y se dibujaron al revés directamente sobre el lecho de arcilla. Lamentablemente, no sobreviven imágenes o fotografías de los primeros diseños. Una vez colocadas las piezas, se aplicó en la parte posterior de cada panel una lechada de resina y un soporte de fibra de vidrio impregnado con soportes de acero de refuerzo para mantener las teselas en su lugar, listas para voltearlas y quitarles la arcilla. Este proceso no solo ayudó a reducir el peso sino que también los mantuvo rígidos. Una vez terminados, los paneles se transportaron por carretera en un camión de plataforma a Blackpool.
El tema del circo
El encargo del circo fue dado en 1969 por Gordon MacKeith, arquitecto residente de la Torre de Blackpool. La unidad de diseño en todo el grupo de mosaicos se logra con un fondo salpicado de oro o plata, una técnica popular durante el período Arts and Crafts. La unidad de diseño en todo el grupo de mosaicos se logra con un fondo salpicado de oro o plata, una técnica popular durante el período Arts and Crafts. El "flujo" interno de las figuras se crea mediante remolinos y círculos lineales, lo que da la sensación de movimiento constante, en imitación del espectáculo circense. Los paneles evocan el deslumbramiento del circo: las luces brillantes, los disfraces brillantes y los leones marinos suspendidos alrededor del borde del cuadrilátero.
Todas las imágenes fueron diseñadas con gran sensibilidad, tanto en el color como en la forma, envolviendo cuidadosamente la colocación de los mosaicos la composición general de cada panel. Cuando se le preguntó a Jeanne si había dibujado u observado animales en un zoológico, no fue sorprendente escuchar que no creía en mantener animales en cautiverio. Tampoco aprobaba los circos y el entrenamiento de animales, por lo que debe haber sido una comisión problemática para ella. La asistente de estudio Hilary recuerda haber trabajado en Bear en el estudio de Cornwall. Se le representa sentado en cuclillas, con la cabeza caída, su carácter afligido, reprimido e introvertido. Sus brazos están formados en relieve como las extremidades de un osito de peluche; los remolinos de movimiento alrededor del cuerpo se crean a partir de una serie de círculos concéntricos de teselas en rojos y marrones. El rostro está en altorrelieve y dividido por una línea desde la nariz que le da diferentes niveles y una sugerencia de perspectiva. Los contornos clave de las orejas y los bordes de las extremidades están resaltados con teselas doradas.
El Mono es el triunfo de todas las piezas. Descarado pero domado en su comportamiento, está encorvado, con pecho de paloma, con brazos exageradamente largos envueltos alrededor de su cuerpo y dedos larguiruchos sostenidos en una postura defensiva. Los brazos redondeados, creados en bajorrelieve, refractan la luz y crean un fuerte contraste tonal. Los mosaicos de fondo son más grandes: el doble del tamaño de los mosaicos utilizados para crear los cuerpos. La técnica de Jeanne muestra su excelente habilidad para usar el andamento para ayudar a sugerir la forma del cuerpo. Tanto el Oso como el Mono están diseñados en una combinación de colores naranjas, rojos y marrones.
La técnica de Jeanne muestra su excelente habilidad para usar el andamento para ayudar a sugerir la forma del cuerpo. Tanto el Oso como el Mono están diseñados en una combinación de colores naranjas, rojos y marrones.
Los loros, ubicados justo dentro de las puertas de entrada, irradian un poco de luz natural. Son gruesos y se superponen entre sí, pero no tienen la misma fuerza de diseño. Sus ojos están diseñados como círculos convexos y son un poco desconcertantes, diseñados a partir de formas entrelazadas.
El contorsionista de múltiples manos es un intento de ilustrar el movimiento y la torsión del cuerpo, pero debes estudiarlo de verdad para descifrar lo que está pasando. La fuerza está en el pie torcido, que da la sensación de que la figura gira y lucha por liberarse. Otros actos de circo se representan en otros paneles. Los Dos Trapecistas cuelgan de sus columpios; sus cabezas en forma de huevo diseñadas en forma ovoide de estilo cubista, en contraste con sus cuerpos ágiles. Visten monos ajustados y calzado de cuero sintético con botas; sus monos salpicados de oro, con solo un indicio de una sugerencia del columpio, resaltado en rojo en el fondo. Las formas complementarias de los Trapecistas se visten de blanco y naranja. Su diseño refleja y complementa la imagen de los acróbatas trabajando juntos en armonía física.
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